MISE À JOUR
20 octobre 2026
Apple dévoile l’exposition Designers of Tomorrow 2026
Organisée par Rodman Primack, l’exposition met à l’honneur les esprits créatifs de demain et leur utilisation des produits Apple dans le cadre de leur processus
L’exposition Designers of Tomorrow d’Apple, présentée en collaboration avec Design Miami, fait son retour pour une deuxième année afin de mettre en vedette les meilleurs talents émergents. Cette nouvelle édition est axée sur le thème de la présence. Dans un monde moderne où tout va très vite, Salem S. Charabi, Isabel Rower, Yoonjeong Lee et Parafernalia (Genki Matsumura et Sebastián Zorrilla) ont cherché à comprendre ce qui captive encore le public et ont créé des œuvres originales qui invitent à la réflexion. Leur but est de faire voir les choses d’un autre œil, de stimuler les sens et de susciter la curiosité.
« L’idée est née d’une constatation lucide : nos vies sont de plus en plus chargées », explique Rodman Primack, commissaire de l’exposition et ancien directeur créatif de Design Miami. « Nos designers ont su démontrer comment les objets peuvent façonner nos environnements physiques et transformer les expériences humaines qui y sont possibles. »
La sélection de cette année a été faite par un jury composé de personnalités internationales du design, dont Alexandra Cunningham Cameron, Fabien Cappello, Jennifer Dunlop Fletcher, Minjae Kim, Hun Chung Lee, Marion Mailaender, Nifemi Marcus-Bello, Jennifer Roberts ainsi que Molly Anderson d’Apple, en fonction des talents de narration, de l’innovation en matière de matériaux et du savoir-faire. Les œuvres mettent aussi en lumière le rôle dynamique d’Apple dans le processus créatif, en donnant aux pros du design de tous les niveaux les moyens de saisir et de peaufiner leurs idées avant de les présenter au monde entier.
« Les produits Apple s’affirment comme un trait commun à de nombreuses personnes talentueuses dans des disciplines, des cultures et des processus variés », explique Primack. « C’est la preuve de l’intégration parfaite de nos produits et outils dans n’importe quel flux de travail. »
En vue de l’ouverture de l’exposition aujourd’hui à l’Hôtel de Maisons à Paris, les designers ont discuté de leurs créations finales et des outils qui leur ont permis de leur donner vie.
Salem S. Charabi
L’architecte égypto-danois Salem S. Charabi crée des objets intemporels en alliant pratiques ancestrales et outils numériques dernier cri. Son projet Designers of Tomorrow, The Emergence of Light, ne fait pas exception.
« Depuis ses tout premiers feux, l’humanité est instinctivement attirée par la lumière », note Charabi. « La lanterne m’a semblé l’image parfaite de cette idée – un reflet de notre capacité à illuminer le monde. »
Charabi a fabriqué le voile de la lanterne à partir de papier de bananier, en appliquant des méthodes japonaises à des palmiers égyptiens. La structure délicate composée de feuilles de palmier dattier soigneusement empilées contraste joliment avec la base en pierre calcaire, qui porte les traces de sa formation dans ses rainures. « Chaque brin présente un profil octogonal — il ne mesure que 3 mm de large, et est fendu à la main et soigneusement percé », explique Charabi. « Les extrémités sont ensuite affûtées à l’aide d’un ciseau afin de s’emboîter. » La tension qui règne dans l’ensemble de la scène suspend la lampe ainsi que l’attention du public.
Résultat : une œuvre profondément naturelle, mais aussi finement pensée. « Pour ce projet, il a fallu cartographier chaque composant en détail », explique Charabi. « J’ai fait les croquis et la modélisation 3D sur mon appareil MacBook Pro. Pour que tout s’emboîte parfaitement, de la sculpture de la pierre aux moules en papier en passant par la base délicate, j’ai dû suivre un processus très complexe. »
Isabel Rower
En associant des formes familières à des éléments inattendus, la designer Isabel Rower, basée à Brooklyn, cultive la présence et transforme des objets du quotidien en expériences sensorielles vivantes.
« Pour moi, la surface est un lieu de curiosité », explique-t-elle. « Les gens ne savent pas toujours de quoi sont faites mes œuvres, même quand ils les touchent. Il est fascinant de voir l’inconnu prendre la forme d’un objet familier, comme une table ou une théière. Cela crée une friction qui nous fait prendre conscience instantanément des objets que nous utilisons tous les jours. »
L’œuvre Padded Chair 1860 s’inspire du mobilier et des objets d’art en papier mâché des 18e et 19e siècles. Son fini brillant contraste vivement avec la frange perlée du siège.
L’œuvre Padded Chair 1860 s’inspire du mobilier et des objets d’art en papier mâché des 18e et 19e siècles. Son fini brillant contraste vivement avec la frange perlée du siège.
Cette fascination se manifeste dans son œuvre Padded Chair 1860, dont les proportions saisissantes évoquent les meubles et objets d’art en papier mâché des 18e et 19e siècles. Son fini brillant contraste vivement avec la frange perlée du siège. « Les perles en céramique produisent un son quand on les brosse, ce qui attire l’attention sur le matériau et sa forme. L’acte inconscient de s’asseoir devient une expérience vécue en pleine conscience », explique Rowen.
Les produits Apple font partie intégrante de son processus créatif. « J’utilise iPhone pour saisir mes réflexions au vol et consigner mon processus, des AirPods Pro pour écouter de la musique, et MacBook Pro pour bâtir ma collection d’images personnelles », affirme Rower. « En outre, je me sers de Keynote pour juxtaposer des idées et explorer la relation entre les images et le texte. »
Yoonjeong Lee
Pour Yoonjeong Lee, designer basée à Séoul, la présence commence par une découverte silencieuse. Elle transforme les matériaux pour faire des objets d’arrière-plan le sujet central de ses œuvres.
Son œuvre New Form met en scène un trio de crayons usés auxquels elle a donné une nouvelle vie sous forme de clous. « Je voulais représenter le thème de cette année à travers quelque chose de simple que tout le monde peut reconnaître : une expérience commune », explique Lee. « Il n’y a pas de grand récit derrière cette histoire. Elle vise simplement à nous faire redécouvrir quelque chose de familier. »
La base fait office à la fois de table en bois et de lampe. Des feuilles de papier servent d’abat-jour, diffusant doucement la lumière en dessous, tandis que des crayons les tiennent en place. À l’aide de sa technique signature, qui consiste à créer du volume par la répétition, Lee a empilé environ 5 000 fines feuilles de placage pour former la base en bois.
Son intérêt pour les éléments structurants négligés s’étend à ses méthodes de travail, rendues fluides grâce à iCloud, à AirDrop et à Notes. « J’utilise souvent iPad Pro et l’Apple Pencil pour faire des croquis et rédiger des notes rapides, mais c’est la façon dont mes appareils se connectent entre eux qui les rend vraiment utiles, tout comme leurs nombreuses fonctionnalités flexibles », explique-t-elle.
Parafernalia
Fondé par Genki Matsumura et Sebastián Zorrilla, Parafernalia est un studio de design dont les activités s'étendent de Monterrey à Mexico. Le processus créatif du duo repose sur le dialogue, le questionnement et l’itération continus, souvent sur FaceTime.
« La présence prend pour nous différentes formes », explique Matsumura. « Nous la vivons au quotidien avec nous-mêmes, avec notre environnement et avec les autres. Notre œuvre explore la façon dont toutes ces expressions peuvent coexister au sein d’un même objet. »
Avec ses deux états, Monoambiente 1 invite les gens à aller au-delà de la simple observation et à faire l’expérience de l’œuvre. Une fois ouverte, elle révèle des tabourets et une table, transformant ainsi une scène lointaine en un cadre intime où deux personnes peuvent discuter, jouer aux échecs ou prendre un verre.
Le projet reproduit le flux de travail du studio : deux designers qui s’appuient sur iPhone et iPad Pro pour échanger des croquis et suivre leurs progrès en temps réel.
Le projet reproduit le flux de travail du studio : deux designers qui s’appuient sur iPhone et iPad Pro pour échanger des croquis et suivre leurs progrès en temps réel.
Leur œuvre MonoAmbiente 1 traite la présence à la fois comme une relation personnelle avec l’environnement et comme un acte collectif. Lorsqu’elle est fermée, elle offre un vaste espace de travail recouvert d’acier inoxydable gravé à l’acide. Son double état invite les gens à aller au-delà de la simple observation et à faire l’expérience de l’œuvre. Une fois ouverte, elle révèle des tabourets et une table, transformant ainsi une scène lointaine en un cadre intime où deux personnes peuvent discuter, jouer aux échecs ou prendre un verre.
Le projet reproduit le flux de travail du studio : deux designers qui s’appuient sur iPhone et iPad Pro pour échanger des croquis et suivre leurs progrès en temps réel. « Nous ne partageons pas de bureau. Notre studio, c’est iCloud », explique Matsumura. Avec Messages, FaceTime et Procreate, ils comblent le fossé géographique. « Apple fait partie intégrante de notre façon de penser, de concevoir et de communiquer. À bien des égards, c’est un moyen de cultiver notre présence l’un avec l’autre. »
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